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En l’honneur du compositeur américain                             George Crumb 

APPARITION est une oeuvre du répertoire de George Crumb qui a été découverte peu après sa mort. Tout au long du concert, l’esprit de George Crumb circule, il est le lien qui unit le soprano et le pianiste dans la musique d’Olivier Messiaen. Mais la science et la recherche humaine ont leur propre spiritualité que Shahab Paranj et Tomàs Peire Serrate explorent dans leurs toutes nouvelles compositions. 

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Maria Eleonora Caminada - Soprano

Born in 1993, she began her musical career in the “Teatro alla Scala di Milano” Children’s Choir. She earned her master’s degree in 2019 at Guido Cantelli Academy in Novara. Since 2014 Maria Eleonora made her first role debuts as Serpina in La Serva Padrona by Pergolesi, Amore in Orfeo ed Euridice by Gluck, Bystroušky in Příhody Lišky Bystroušky by Janáček, Anna in Nabucco by Verdi, Dido in Dido & Aeneas by Purcell, Bastienne in Bastian und Bastienne by Mozart. In 2016 she sang in the “Advent Calendar” in Piazza Duomo in Milan, organized by Orchestra Filarmonica Italiana. She has performed solo roles in orchestral productions of sacred music (Requiem di Mozart, Messiah di Händel, Johannes-Passion di Bach, Stabat Mater di Pergolesi) and in symphonic and chamber music with prestigious orchestras like LaVerdi (Porgy and Bess with John Axelrod, The jungle book), Carlo Coccia (Ein Sommernachtstraum by Mendelssohn) and NED ensemble (Folk Songs by Luciano Berio). Eleonora took part in the staging of opera reductions with Piccoli Pomeriggi Musicali Orchestra (Mozart’s Die Zauberflöte in the Queen of the night role and Nozze di Figaro as Susanna, Rossini’s Cenerentola as Clorinda and Il barbiere di Siviglia as Rosina and Berta).  

In 2018 she took part in “Call for Young Performers” by IDEA, which allowed her to sing in the starting concert “Rondò di Bobbio e Monferrato”. She has extended her repertoire singing contemporary, twentieth and century music, collaborating with well-known composers. She performed Berio’s Folk Songs with the Orchestra Calamani, directed by Danilo Grassi and collaborated with Stefano Gervasoni for the world premieres in his composition masterclass at the Livorno Music Festival
 

 

Maria Eleonora Caminada perfectionne aujourd'hui le répertoire d'opéra

avec Giovanni Botta e le répertoire contemporain avec Alda Caiello. Elle a

interpreté le rôle de Dorabella en Così fan tutte de Mozart, Clorinda en La

Cenerentola de Rossini (pour l'inauguration de la saison 2022 du Teatro

Coccia de Novara, dirigée par Antonino Fogliani), Fanny en La cambiale

di matrimonio de Rossini, Didone en Dido & Aeneas de Purcell, Natalia en

Una domanda di matrimonio de Luciano Chailly, Serpina en La serva

padrona de Pergolesi, Bastiana en Bastiano e Bastiana de Mozart, Amore

en Orfeo ed Euridice de Gluck.

Elle est la protagoniste de Else de Federico Gardella (dirigée par Tito

Ceccherini, Ensemble Risognanze), donnée en création mondiale au

Teatro Poliziano pour le Cantiere Internazionale di Montepulciano 2021 et

au Teatro Ariosto de Reggio Emilia. Elle est la voix chantante (“multipliée”

dans les differents rôles) de l’“opéra virtuelle” Il silenzio e il canto de

Alessandro Solbiati. Elle travaille avec les compositeurs contemporains et

est fréquemment choisie pour leur créations. Parmi le plus récentes,

Matrem Magnificat pour soprano solo, coro e orchestra de Giorgio

Colombo Taccani.

Parmi les classiques de la modernité interpretés par elle il y a Pierrot

Lunaire de A. Schoenberg, Histoire du soldat de I. Stravinskij, Folk Songs

et Laborintus II de L. Berio, Apparition de G. Crumb (avec la pianiste

Maria Grazia Bellocchio) et le virtuosistique Flans pour voix et ensemble

de F. Donatoni (en création italienne avec Divertimento Ensemble).

Elle est la voix soliste de la bande sonore du nouveau court-métrage de

Matteo Garrone produit par Dior ( https://youtu.be/jYOrGvVh7mk ).

Elle est diplomée an architecture au Politecnico di Milano.

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Alfonso Alberti

Alfonso Alberti s a widely active pianist in Europe and the US. Born in 1976 he has played in venues like the Konzerthaus in Vienna, Teatro Dal Verme, Milan, Teatro Bibiena, Mantova, Tonhalle Düsseldorf (Germany), the LACMA in Los Angeles, the Passionsspielhaus Erl, Tyrol, Austria and in the gardens of the Guggenheim Collection in Venice. 

Among the conductors he has played with are Tito Ceccherini, Gustav Kuhn, Vittorio Parisi, Arturo Tamayo, Flavio Emilio Scogna, Yoichi Sugiyama, Pierre-André Valade.
He plays with the Ensemble Prometeo on a regular basis and occasionally performs with other Ensembles. 

He has recorded numerous CDs – both solo and chamber music (col legno, Stradivarius, Limen). His solo recordings include: Cangianti (music by Niccolò Castiglioni) and Dispositions furtives (music by Gérard Pesson). Together with the Orchestra della RAI of Turin he has also performed in a recording of Goffredo Petrassi’s Concerto per pianoforte e orchestra under Arturo Tamayo’s direction. 
Alberti works closely with the internet-television channel Limenmusic, for which he has done numerous music videos. 

One of Alfonso Alberti’s main focuses is the promotion of 20th century music, his repertory ranges from the historical avantgarde to young composers. 
He premiered solo pieces by Jacopo Baboni Schilingi, Paolo Castaldi, Osvaldo Coluccino, Giorgio Gaslini, Stefano Gervasoni, Giuseppe Giuliano, Daniele Lombardi, Alessandro Melchiorre, Fabio Nieder, Gérard Pesson, Robert HP Platz, Giuseppe Sinopoli, Alessandro Solbiati, Yoichi Sugiyama, Martino Traversa and several others.

Apart from being a performer Alberti is also a musicologist, he has published: Niccolò Castiglioni, 1950–1966 (LIM, 2007), Vladimir Horowitz (L’Epos, 2008) and Le sonate di Claude Debussy (LIM, 2008)

 

Alfonso Alberti joue (du piano) et écrit (livres sur la musique).
Sa grande passion est la musique d'aujourd'hui, chance formidable pour comprendre dans
lequel nous vivons. Ses programmes aiment lier de différents époques, pour montrer
l'unité du parcours musocal.
Alfonso Alberti a joué au Konzerthaus de Vienna, au LACMA de Los Angeles, dans la Sala
Verdi du Conservatorio di Milano, à la Cappella Paolina du Quirinale, au Teatro Bibiena
de Mantova, à la Tonhalle de Düsseldorf; parmi les chef d'orchestre avec qui il a travaillé
 
il y a Tito Ceccherini, Gustav Kuhn, Yoichi Sugiyama, Arturo Tamayo, Pierre-André Vala-
de.
 
Il a publié plus de vingt cd solistes et de chambre; le dernier est le cd pour piano et or-
chestre Giorgio Gaslini - Murales Promenade, publié par Stradivarius (Orchestra Haydn
 
di Bolzano e Trento, dirigée par Yoichi Sugiyama). Toujours pour Stradivarius, son cd
avec le Concerto per pianoforte e orchestra de Goffredo Petrassi (Orchestra RAI, dirigée
par Arturo Tamayo) a gagné le Premio della critica du meilleur cd 2012 en Italie.
Parmi ses livres: La rosa è senza perché. Niccolò Castiglioni, 1966-1996 (LIM), Vladimir
Horowitz (L’Epos) et Le sonate di Claude Debussy (LIM).
Sky Classica lui a dedié un film documentaire pour la série Notevoli. Dès 2017 il est un
des conducteurs des Lezioni di musica sur Radio3.



www.alfonsoalberti.it

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Selene Framarin is a clarinetist and a music teacher. As a performer, she explores the connections between sound, movement and storytelling within her shows, focusing on the theatrical side of music. 

She began this path performing Stockhausen’s Harlekin, a solo piece composed for a unique clarinetist-mime-dancer. In partnership with contemporary composers and together with the pianist Alfonso Alberti she realized the project Masked Music, an experiment around music and masks.

Selene graduated cum laude at Milan Conservatory and specialized in Musical Theater at Hochschule der Künste Bern, alongside approaching contemporary music at Lucerne Festival Academy. She trained in Lecoq’s physical theatre at Helikos - International School of Theatre Creation in Florence.

So far, she performed at: Philarmonie Luxembourg, Guggenheim Foundation (Venice), Torino Jazz Festival, Sala Yamaha (Yokohama), France Télévisions (Strasbourg), Festival Borealis (Bergen), Tiroler Festspiele Erl, Festival Mito (Milan), Accademia Filarmonica Romana.

She was a teacher of Edward Said Palestinian Conservatoire and as a clown she volunteered in Clowns Without Borders expeditions at the Syrian Border.

Selene Framarin concentre son activité de clarinettiste autour de la recherche des aspects corporels dans la production musicale; elle réalise ainsi des spectacles qui mêlent son, mime et récitation. Le départ de ce parcours est Harlekin, pièce de K. Stockhausen pour un clarinettiste-mime-danseur. Ensuite, avec le pianiste Alfonso Alberti, elle réalise Masked Music, spectacle qui explore les possibles relations entre masques et musique. 

En parallèle, Selene conduit des recherches sur les possibilités d'innovation des masques traditionnels et leur utilisation dans le théâtre musical: son travail a abouti à la réalisation de La Grande Fuga, spectacle de théâtre musical inspiré par la tradition de la Commedia dell'Arte. 

Obtenu le premier prix de clarinette au Conservatoire G. Verdi de Milan, elle a suivi les cours de théâtre musical de la Haute Ecole des Arts de Berne et les cours d'Alain Damiens, clarinettiste de l'Ensemble Intercontemporain, au sein de l'Académie du Festival de Lucerne. 

Elle a étudié la méthode Lecoq et la construction des masques à l'école Hélikos (École Internationale de Création Théâtrale) à Florence. Elle s'est produite pour de nombreuses institutions musicales (Fondation Guggenheim, Venise; Lucerne Festival; Salle Pleyel, Paris; Salle Yamaha, Yokohama; France Télévision, Strasbourg; Festival Borealis, Bergen; Tiroler Festspiele, Erl; Milano Musica; Festival MITO, Turin; Académie Philharmonique de Rome). Elle est professeur de rythme et musicalité pour le théâtre à l'école internationale Atelier Mask Movement Theatre de San Miniato (Florence). 

Elle a également été professeure de clarinette au Conservatoire Edward Said en Palestine et participé comme musicienne clown aux spectacles de l'ONG Clown Sans Frontières destinés aux enfants réfugiés, à la frontière Turco-Syrienne. 

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George Crumb étudie à l’Université de l’Illinois, à l’Université du Michigan avec Ross Lee Finney (1954), au Berkshire Music Center, puis à Berlin avec Boris Blacher (1955-1956). Il enseigne à l’Université du Colorado de 1959 à 1964, puis à partir de 1965 et pendant trente ans, à l’Université de Pennsylvanie. Il reçoit le prix Pulitzer 1968 pour Echoes of Time and the River pour orchestre (1967), le prix de l’UNESCO en 1971 ainsi que les prix des fondations Fromm, Guggenheim, Koussevitsky et Rockefeller, la Médaille d’or Prince Pierre de Monaco en 1989 et la nomination de Compositeur de l’année par Musical America en 2004.

Sa musique, souvent d’une concision et d’une austérité issues tout droit de Webern, marquée aussi par l’influence de Debussy et des traditions orientales, doit sa forte originalité à ses sonorités, ses aspects rituel et mystique et témoigne d’une intense sensibilité poétique. Nombreuses sont ses œuvres basées sur des poèmes de Federico García Lorca – les quatre livres de Madrigals pour soprano, percussion, flûte, harpe et contrebasse (Book I et II, 1965, IIIet IV, 1969), deux des sept volets de Night Music I (1963), ainsi que les pièces pour voix et ensemble Songs, Drones and Refrains of Death (1968), Night of the Four Moons (1969), Ancient Voices of Children (1970), Federico’s Little Songs for Children (1986), et récemment encore, deux premières composantes d’un Spanish Songbook, The Ghosts of Alhambra (2008) et Sun and Shadow (2009).

Pour réaliser ses subtils effets de timbres, reflets de son désir de « contempler les choses éternelles », Crumb élabore de nouvelles techniques d’exécution et fait appel à des instruments des musiques populaires et traditionnelles. Son style de maturité se manifeste d’abord dans les Cinq pièces pour piano de 1962. On lui doit dans ces années de nombreuses pièces de musique de chambre – Night Music II (1964), Eleven Echoes of Autumn (1965), Black Angels (in tempore belli) reflet de la guerre du Vietnam, pour quatuor à cordes électrique (1970), Vox balaenaepour flûte, violoncelle et piano amplifiés (1973) et le cycle des Makrokosmos,inspiré des signes du Zodiac – I pour piano, II pour piano amplifié, III pour piano et percussion (1972-1974) et (IV-Celestial Mechanics, 1979).

Suivent Star-Child pour soprano et orchestre, œuvre dirigée par quatre chefs donnant chacun un tempo différent (1977, Grammy Award de la meilleure composition contemporaine lors de son édition discographique en 2001), Apparition pour mezzo-soprano et piano (1979), Gnomic Variations pour piano (1981), A Haunted Landscape pour orchestre (1984), The Sleeperpour soprano et piano (1984).

Dans les années quatre-vingt dix, jusqu’à ce qu’il se retire de l’enseignement en 1997, George Crumb se consacre  essentiellement à ses élèves. Quest pour guitare et ensemble (1990-1994) et Mundus Canis (A Dog’s World) cinq humoresques pour guitare et percussion (1998) sont ses principales productions.

Outre les pièces pour piano, Eine Kleine Mitternachtmusik, sur un thème de Thelonious Monk (2002) et Otherworldly Resonances pour deux pianos (2003), parmi son travail récent, prédomine le grand cycle American Songbook, commencé en 2001 avec Unto the Hills et suivit de River of LifeA Journey Beyond TimeWinds of DestinyVoices from the Morning of the Earth ; Voices from the Heartland, septième pièce de ce cycle, est créée en janvier 2012.

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Olivier Messiaen est l’un des compositeurs les plus importants de la deuxième moitié du XXème siècle. Organiste et pianiste, il est aussi reconnu dans le monde entier pour son enseignement réputé au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.

Né d’un père professeur d’anglais et d’une mère poétesse, Olivier Messiaen  acquiert jeune une foi catholique prononcée. Après ses premières leçons de piano  et d’harmonie, il entre au Conservatoire de Paris  en 1919, à 11 ans. Il a pour professeurs Maurice Emmanuel, Marcel Dupré, Paul Dukas, Charles-Marie Widor. En l’espace de six ans, il obtient des premiers prix en harmonie, fugue, contrepoint, accompagnement au piano, histoire de la musique, orgue, improvisation à l’orgue, et enfin composition.

En 1931, Olivier Messiaen prend le poste d’organiste  à l’église de la Trinité, à Paris. Il improvise, compose beaucoup, expérimente ses idées musicales, inspirées par le plain-chant, les rythmes anciens et asiatiques, et les chants des oiseaux qui le fascinent – il décide même de devenir ornithologue. Il commence à enseigner  en 1934, à l’Ecole Normale de Musique de Paris et à la Schola Cantorum. Il devient professeur d’harmonie au Conservatoire en 1942, après la Seconde guerre mondiale, durant laquelle il est fait prisonnier et compose son Quatuor pour la fin du temps. A cette période, il rencontre Yvonne Loriod, qui devient sa femme et l’interprète principale de ses œuvres pour piano.

Progressivement, Olivier Messiaen se met à donner des cours d’analyse, d’esthétique, de rythme, au Conservatoire et à l’étranger. En 1966, sa classe d’analyse est instituée en tant que classe de composition. Elle attire des élèves du monde entier, parmi lesquels Pierre Boulez, Pierre Henry, George Benjamin, Karlheinz Stockhausen  ou encore Iannis Xenakis.

L’œuvre de Messiaen, aussi bien musicale que pédagogique, a été honorée par de nombreuses distinctions et manifestations (fondation, festival…). Ses écrits théoriques permettent d’aborder son esthétique, notamment Théorie de mon langage musical  (1944).

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Tomàs Peire Serrate is an LA-based composer born in Barcelona. His music has been performed in Europe, US and Asia. He has been featured in concert series such as Klang (Helsinki), Off Liceu (Barcelona), Hear Now and Jacaranda (Los Angeles), and showcased in festivals like Zodiac (Nice), HighScore (Pavia), Livorno Music Festival (Livorno), Vipa (Valencia), Re-Imagined (Hong Kong), Chopin and Friends (New York) and at the SCI National Conference (Albuquerque).

Recently, he has obtained the Audience Commission Award by the American Composers’ Orchestra (New York, 2018) for his orchestral piece Rauxa. He has won the 1st prize at the New Vision Composition Competition (New York, 2019) for his work Five Haiku for soprano and ensemble; as well as the 3rd prize at the Krzysztof Penderecki International Composers Competition Arboretum (Poland, 2019) for his chamber orchestra piece Collapse. He as also been awarded the Grand Prize at the iSing! Festival Composition Competition (Suzhou, China, 2020) for his piece Bamboo Shoots (竹枝词) for soprano, choir, and orchestra, based upon a poem by LIU Yuxi from the Tang Dynasty, and the 1st prize at the Mieczysław Karłowicz International Composers’ Competition 2021 for his orchestral piece Borealis.

Besides his concert works, Tomas has composed and orchestrated music for fiction and documentary feature films, as well as for VR experiences. Some of the projects that include his original music are Paralized by Danger (US), The Prosecutors (US), Prism (US), The Anushree Experiments (India), Natalie_Net (Spain), Asleep (China), and Life Without Matter (UK). His orchestrations and arrangements are part of projects like Allen v. Farrow (HBO), Minons (Universal Pictures), Love and Friendship (Amazon Studios), Watership Down (BBC-Netflix), 32 Malasana Street (Warner Bros), If I Stay (New Line Cinema), Chef’s Table (Netflix), American Masters (PBS), A Heavy Burden (New York Times), and FGM (The Guardian).

Tomas studied piano and composition in Barcelona, at the Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), and at the Sibelius Academy in Helsinki. He received a Masters of Music degree in Film Scoring at New York University - Steinhardt, and a Ph.D. in Music Composition at the UCLA Herb Alpert School of Music. Since 2019, Tomàs is the Associate Artistic Director for the Du Vert a L’infini Music Festival held in Besançon, France.

More information on https://www.tomaspeire.com/

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Shahab Paranj
Composer, Instrumentalist Shahab Paranj, an Iranian-­‐born composer

holds degrees in music composition from San Francisco Conservatory of Music,

Manhattan School of Music, and the University of California, Los Angeles. He is 

considered as one of the pioneers among his generation of Iranian composers 

whose composition style integrates Persian and Western composition techniques. 

Known as a tombak virtuoso, he has performed, recorded, and collaborated with numerous  

highly-respected artists worldwide. Acclaimed by the San Francisco Examiner as

“impressive” and by composer John Adams as “unique,” Paranj blends Persian

rhythmic and melodic influences with Western texture and form in his composition. 

Recent commissions include works for ensembles such as Russian String Orchestra,

Intersection Contemporary Music Ensemble, Long Beach Opera, Aleron Trio, 

San Francisco New Music Ensemble, One Great City Duo, MSM symphony orchestra, and

internationall Low Brass Trio. He has written an original score for the movie “Dressage,”

the winner of the 2018 feature film (generation category) in the Berlin Film Festival

He has received formal recognition from the Mehr Humanitarian Society (2010) and

the City and County of San Francisco (2011). Paranj is a founder and artistic director 

of “du vert à l’infini” a contemporary music festival in the Franche Comte region in France.

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Luca Mosca

Élève de Donatoni et Sciarrino, le compositeur, pianiste et claveciniste Luca Mosca (né à Milan en 1957) a déjà livré de nombreux ouvrages pour la scène : Il Sogno di Titania,Peter Schlemihl, America et K sur des livrets de Pilar Garcia, ainsi que Mr. Me, Freud, Freud, I Love You et Ubuette sur des livrets de Gianluigi Melage.

Avec ce dernier, il signe aujourd'hui Signor Goldoni (2005-07), un drame burlesque en deux actes qui célèbre le tricentenaire de la naissance du dramaturge, mais plus encore Venise, la ville qui l'a nourri. Car c'est des Champs Élysées à la cité lagunaire, le temps d'une nuit de bal masqué, que l'Anzolo Rafael (un archange de pierre, bien connu des touristes) entraîne Carlo Goldoni, auquel s'accroche le poète érotique Giorgio Baffo. Les revenants passent un temps inaperçus au cœur d'une fête qui célèbre les personnages de Shakespeare et mêle le natif d'Avon lui-même sous le déguisement d'Othello, Mirandolina (protagoniste de la Locandiera), Despina (son héritière, héroïne de Mozart et Da Ponte), sans oublier des personnages de Commedia dell'Arte. La suite ne manque ni d'anachronismes, ni de rebondissements : un piège est tendu au poète lubrique, un duel s'engage entre Goldoni et Othello et une compétition de chant se met en place à la suite d'un gage. Pour cette présentation au public de La Fenice en septembre 2007, Davide Livermore livre une mise en scène à l'esprit loufoque, aux décors et costumes soignés.

Offrant un tissu riche et bigarré, une orchestration au premier abord opulente, la partition extrêmement rythmique de Mosca – défendue par Andrea Molino – rappelle le Rake's progress de Stravinsky autant que certains collages de Maderna. L'œuvre propose des moments burlesques, grotesques, mais aussi certains potentiellement dramatiques, qu'annonce, par exemple, un ensemble de mandolines inquiètes.

Signor Goldoni n'a pas à rougir des chanteurs qui participent à sa création – en anglais, une langue appréciée pour ses qualités musicales –, tous sonores et efficaces : l'alto Sara Mingardo (Desdemona), le ténor Michael Bennett (Arlecchino), la basse Michael Leibundgut (Othello) et les barytons Roberto Abbondanza (Goldoni) et Chris Ziegler (Baffo).

De plus, il faut signaler les magnifiques duos de la colorature Barbara Hannigan (Despina) avec le mezzo Cristina Zavalloni (Mirandolina), ainsi que les prouesses de Aida Caiello, soprano qui passe aisément des graves profonds aux suraigus les plus acrobatiques.